A 110 años de su nacimiento, ¿era Disney un geek?

Las palabras tienen el contexto que se merecen. Hoy geek es aquel que está dispuesto, y muy gustoso, a absorber más sobre todo lo que tenga que ver con las nuevas tecnologías. Si puede vivir de eso, mejor. Y si puede desarrollar, a partir de su trabajo, más investigaciones; mejor aún.
Bueno, eso fue Walt Disney. Un hombre al que no se le pasó ningún avance tech de la época y que incluso propició otros tantos. Desde la animación de última generación, hasta la locomotora, pasando por un parque de atracciones que aún hoy es sinónimo de vanguardia.
Es más, según dos de sus biógrafos (Leonard Mosley y Marc Eliot), en los últimos años de su vida, Walt estaba obsesionado con la criogenización. ¿O sea que eso del mito del freezer…? Más falso que un Picasso comprado en ebay, pura leyenda urbana, pero que el hombre estaba interesado en el tema, podría haber sido cierto.
Más allá de los debates sobre la manera de ver el mundo que este empresario enarboló como bandera, ofrecemos aquí un pequeño listado sobre los “descubrimientos”, logros y curiosidades del papá de Mickey relacionados a la tecnología.

Animarse a animar

En 1920, un joven Disney fue contratado por la empresa Kansas City Film Ad, en donde animó anuncios de un minuto, los que se proyectaban entre las películas de acción en esa localidad. Allí conoció las primeras técnicas de dibujos con movimientos, un hallazgo que cambiaría su vida para siempre.

Tanta sed tuvo por más conocimiento, que se pasaba horas quemando pestañas en la biblioteca pública de Kansas City, tragando libros de anatomía y mecánica. ¿Su obsesión? Hacer una animación perfecta de la figura humana (algo que lograría años después con “Blancanieves”). Mientras experimentaba con una cámara prestada por el estudio que lo contrató, admiraba los trabajos de Eadweard Muybridge, fotógrafo que dio los primeros pasos de la cinematografía.
Pensemos que en aquella época la animación no era tomada en serio por la industria. ¿Les suena la historia de un hombre que se apasiona por una tecnología incipiente, casi experimental, y dedica toda la vida a convertirla en algo masivo? Y que con eso, como premio, se convirtió en uno de los empresarios más ricos del mundo. Con algo de romanticismo, se podría pensar que la biografía de los nombres propios que hicieron grande la industria de la computación personal, el cine y el entretenimiento es en realidad una sola.

El que quiera escuchar, que oiga

El 15 de mayo de 1928, en un corto mudo llamado Plane Crazy, hacía su aparición Mickey Mouse. Aunque se difícil de creer, esa pequeña historia no interesó mayormente a los distribuidores, por lo que el ex diariero (Disney ayudó a su familia vendiendo periódicos en su juventud) se preocupó por darle algo más “de pimienta” a su técnica.
Así fue como tomó impulso para lanzar una película sonora, Steamboat Willie. Para eso tuvo que investigar, junto a su equipo (a esa altura ya contaba con su propia empresa) el Cinephone, un sistema de sincronización de sonido que fue lanzado, en la animación, por Paul Terry (quien luego crearía Mighty Mouse o Super Ratón), para su cinta “Dinner Time” en 1928.
En cuanto Walt conoció este avance, lo quiso de inmediato para sus cortos, tanto para seducir a los distribuidores como a las plateas. “Steamboat Willie” se convirtió en un gran éxito. Durante años, el ratoncito silbando mientras le daba al timón de su bote fue todo un ícono para la compañía. Un dato al margen: el propio Disney se encargó de los efectos vocales de sus primeros cortometrajes y fue la voz de Mickey hasta 1947.
En lo que refiere a sonido y cine, su empresa logró dar grandes pasos, en especial con “Fantasía”, la primera en brindar sonido estereofónico en Estados Unidos. En ALT1040 encontramos un gran artículo sobre los logros de esta obra magnífica de la casa Disney.

La vida en colores

En 1932, Disney ya era toda una celebridad. El carisma de Mickey había convertido a la empresa del visionario en una de las más poderosas de su rubro. El cine a colores, también lo tuvo entre sus más grandes impulsores. De hecho, Walt logró el Oscar a mejor cortometraje de animación gracias a Flowers and Trees, de la serie “Silly Symphonies”.
Lo que no muchos saben es que esta película representó todo un adelanto en la industria, porque fue la primera que utilizó el proceso de Technicolor de tres colores, llamado Proceso 4. Hasta entonces, se usaba una técnica de dos colores. ¿Cómo funcionaba este adelanto?

• Se basaba en un doble prisma. El primero de ellos descomponía la luz en magenta y verde, imprimiéndose una primera película para el verde.
• La luz magenta pasaba por un segundo prisma que la descomponía en rojo y azul, y cada color se imprimía en su correspondiente película. En el positivo, estos colores quedaban en cyan, magenta y amarillo.
• La combinación de los tres colores lograba reproducir todo el espectro de color, a diferencia de todos los procesos de dos colores anteriores, resultando en una imagen más natural.

Otra vez resalta aquí el olfato y la ambición comercial de Disney, porque el productor se aseguró la exclusividad de este sistema por dos años, tras un jugoso contrato con Technicolor. “Los tres cerditos” también fue filmado bajo el Proceso 4.
El espectador, que desconocía la escalada tecnológica de la industria, sólo podía notar que las películas de Disney se veían como ninguna otra. Un atributo relacionado hasta el día de hoy con la mayoría de los títulos de esa marca. Ni qué decir con los de Pixar.

A todo o nada: el primer largo, a la vanguardia

En 1934 Disney Company era realmente una empresa sólida, ¿pero lo suficiente como para embarcarse en un largometraje que reuniera, sonido, color y avanzadas técnicas de animación? Esa fue la idea detrás de “Blancanieves y los siete enanitos”. El hombre que guionaba personalmente los primeros comics de Mickey, no lo pensó dos veces, mientras el resto de sus competidores se sentaba a mirar cómo, supuestamente, sucumbía ante tanta ambición.
“La locura de Disney”, fue como se conoció al proyecto fuera y dentro de la empresa, ya que la mayoría creía que el proyecto terminaría arruinando al estudio. ¿Qué avances se pusieron en juego en este proyecto? La animación realista de seres humanos, la creación de personajes animados con personalidad definida, efectos especiales, y el uso de procesos especializados y nuevos dispositivos, como la cámara multiplano.
Lo que lograba esta nueva manera de captar los dibujos en filminas, fue generar sensación de profundidad en el espectador. En el video de arriba puede notarse bien cómo funcionaba este adelanto. En síntesis, la cámara era capaz de sugerir profundidad de campo gracias a un llamativo sistema de superposición de láminas filmadas en un mismo plano para simular lejanía.
La capacidad de Disney fue la de empujar toda una industria, desde los cortos precarios de un minuto que dibujó en aquella empresa de Kansas, hasta lograr una ovación de pie en el Carthay Circle Theater el 21 de diciembre de 1937, con una de la historias más conocidas del mundo: la de la bella que se refugia en la casa de los siete enanos.
Había nacido un nuevo estándar: Blancanieves fue el primer largometraje animado de lengua inglesa, y el primero en utilizar el Technicolor. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938, y obtuvo unos ingresos de 8 millones de dólares en su estreno. Entonces, era un platal.

El tren del progreso

Apasionado por la tecnología, ningún otro avance fue tan admirado en la infancia de Walt y sus hermanos como el tren. En 1949, Disney y su familia adquirieron una mansión en Los Ángeles. Disney aprovechó para hacer realidad el sueño de tener su propia máquina. Él mismo diseñó los planos, las maquetas y el control de todo el proceso de fabricación. La locomotora de vapor, terminada por Roger E. Broggie, empleado de los estudios, recibió el nombre de Lilly Belle en honor a la esposa de Disney.
¿Un hombre jugando con trencitos de juguetes, hasta lograr uno de verdad? ¿Queda alguna duda de que Disney era un geek?
Ya desde los años 40, Disney tenía la idea de construir un parque de atracciones para el sólo uso de sus empleados y familiares. Sería el germen de Disneylandia. Desde el origen, este Centro de entretenimientos fue considerado como un work in progress permanente. Un lugar que albergara lo mejor de la mecánica, el cine, y después, la tecnología informática.
En 1964 Disney presentó varias novedades en la Feria de Ciencia de New York, entre ellas el Audio-Animatronic. Se trataba de un nuevo rubro en el emporio Disney: la robótica. Varios de estos bichos con brazos neumáticos diseñados por Lee Adams para Walt Disney, fueron pensados exclusivamente para el parque de diversiones. Y otros para las mega producciones cinematográficas que había encarado el grupo. Y ya no sólo de animación. El primer Audio-Animatronic de Disney fue el calamar gigante en la película “20.000 leguas bajo el mar”. Había bombas conectadas a los tentáculos. Cuando una bomba era activada, el aire llenaba los tentáculos, lo que les hacía subir y girar en espiral. El Nautilus, diseñado por Harper Goff, hoy es una pieza única del retrofuturismo.
En 1965 se anunció la construcción del nuevo parque, Disneyworld, cerca de Orlando, en Florida, que comenzó poco después de la muerte de Disney. Allí tendría lugar el Epcot Center, lo que significó -para todos los de nuestra generación-, ni más ni menos, que el lugar donde vivía el futuro.
Si has llegado hasta aquí en el relato, más aún, si has vivido en el planeta Tierra últimamente, sabrás que Disney nunca le tuvo miedo a las nuevas tecnologías, ni a los medios que iban naciendo. Ni bien apareció la TV, Walt se lanzó a producir para ese formato. En 1950 produjeron su primer programa televisivo, “One Hour in Wonderland”. El primero de emisión diara fue “El Club de Mickey Mouse”, que continuaría, con varios cambios de nombre, hasta los 90. Fue el semillero de grandes valores, como Britney Spears y Christina Aguilera… Pero bueno, de esto no le echemos la culpa al pobre Disney.

Disney nos dejó helados

La leyenda la conocemos todos. A esta celebridad que hizo del cigarrillo su único vicio conocido, le diagnosticaron cáncer de pulmón, poco antes de morir (1963). Pero siguiendo este mito urbano, poco antes de dar el último aliento, lo criogenizaron. Introdujeron -dice el cuentito- su cuerpo en nitrógeno líquido, esperando que en el futuro se pudiera curar este tipo de dolencia.
¿De dónde nació este rumor? Ya en 1969 hay constancia de algunas revistas amarillas que especularon con esta posibilidad. Recordemos que en aquella época, Disney era el equivalente de la última tecnología, por los logros de sus partes temáticos y sus películas. En el imaginario colectivo prendió la idea de que Walt tenía los medios para “suspenderse” en el tiempo.
Además, al menos dos biógrafos de Disney, Leonard Mosley (“Disney’s World: A Biography”, 1985) y Marc Eliot (“Walt Disney: Hollywood’s Dark Prince : A Biography”, 1993) mencionan el interés de Disney por la criónica en los últimos años de su vida, aunque no aportan fuentes concretas.
Y por supuesto, que toda la ceremonia funeraria haya sido en un ámbito restringido a la familia impulsó todo tipo de rumores.
Su cuerpo fue incinerado. Sus creaciones, y no el nitrógeno líquido, lo volvieron inmortal.

Anime: 10 motivos geek para rendirle culto

El Anime es una de las banderas culturales más importantes del Japón. Y, por otra parte, creo que nos queda claro a todos, su huella sobre Occidente ya es imborrable de tan gigantesca y profunda por partes iguales. No exagero: el gusto por el J-Pop, la cultura moe, los cosplayers, las redes internacionales de fansubs, y cientos de foros de Anime y Manga son una muestra fehaciente de un ecosistema de posibilidades que a veces parecen ilimitadas.
Por supuesto, como todo sistema el del Anime puede tener errores. Entre otros, la cansina y autocomplaciente repetición de fórmulas narrativas, pero el balance es más que positivo y el Anime ha traspasado cualquier frontera con Akira, Spirited Away y Ghost in the Shell, productos de altísima manufactura.
¿Por qué ver Anime? Por gusto y nada más. Un gusto adquirido con la paciencia para entrar a un lenguaje nuevo, en incontables ocasiones bien distinto del sobre simplificado y extra digerido lenguaje de la narrativa hollywoodense.
Ahora bien, siendo éste un blog de corte geek, lo natural es ofrecerte razones geek para ver Anime si es que acaso todavía no eres fanático o un otaku declarado (el título es cliché, pero qué más da si nos estamos entendiendo). Como sea, estos son los 10 motivos que quiero apuntar, aunque por los bordes se traslapen:

1. Por la inteligencia artificial: La IA es fas-ci-nan-te. Es prácticamente omnipresente en los Anime tecnológicos. Y mi IA favorita de hoy y siempre está en Ghost in the Shell, por mucho.
2. Por los gadgets: Sí, esos objetos que ofrecen funcionalidades que extienden nuestras reducidas capacidades físicas. En el Anime hay de todo, porque las herramientas son indispensables para la vida cotidiana, y si electrónicas, mejor. A mi me encantan las de tipo steampunk, como en la película Steamboy.
3. Por los robots. Ah, los robots en el Anime. Son fabulosos. Y los llamados mecha pueden llegar a ser encantadores. Mi predilecto personal es Mazinger Z, aunque en todo Gundam y The Vision of Escaflowne son increíbles. Ni que decir de los EVA de Neon Genesis Evangelion (discusión aparte sobre su verdadera naturaleza…)
4. Por la realidad aumentada y la realidad virtual. Creo que cada vez existe más Anime que toca temas de Realidad Aumentada (la exteriorización de una modelo computacional). Por su parte la Realidad Virtual (la inmersión del ser) es tradicional. Sobre RA, recomiendo ampliamente Denno Coil, es genial. De RV, definitivamente Summer Wars.
5. Por la Red. La red es la vía última de comunicación de las máquinas, potencialmente un orden de inteligencia superior, como en Ergo Proxy, malvada, ubicua como en Fractale.
6. Por la ciencia ficción. Sí. Éste tema podría englobar a los demás. Pero vamos, hay que mencionar que el sci-fi en el Anime, cuando está bien hecho, es de lo mejor. Planetes es una joya del sci-fi duro, por ejemplo.
7. Por el Hacking y la programación. Llevar la tecnología al más allá, con creatividad y soltura sorprendentes. Los hackers abundan en el Anime. Los que programan como Akira Shirase de la comiquísima Battle Programmer Shirase, la pequeña Lain Iwakura de la adelantada y oscura Serial Experiments Lain, aunque, si volvemos al punto, el hacker máximo es Puppet Master de Ghost in the Shell. Da para el debate.
8. Por los multiversos. Ah, las realidades alternativas y paralelas. Como en la dramática-súper geek de Steins;Gate de viajes en el tiempo cruzados. O en el elaborado universo de CLAMP, de personajes que cohabitan y cruzan múltiples dimensiones como en la espiritual xxxHolic, la romántica Tsubasa: Reservoir Chronicle, la animosa Kobato, y la sensual Chobits.
9. Por la referencias culturales. Es increíble la cantidad de referencias detalladas a libros, vida moderna, arte, autoreferencias al Anime y Manga por supuesto, datos curiosos, leyendas urbanas, prácticas sociales en la red, gadgets, etc. A veces el Anime puede ser hiperrealista, una exageración de nosotros mismos o de lo que queremos ser como en Eve no jikan, Battle Angel Alita o en otros de casi cualquier género.
10. Por la propia tecnología. Porque en el Anime la tecnología es narrativa en sí misma, el alfa y el omega que dicta el suceder de las historias, tan transparente e inmersiva como el oxígeno que respiramos.

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THX-1138 cumple 40 años: curiosidades del Lucas autor | Retrogeek

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Sociedades controladas, un sistema de vida en sociedad marcado por la economía, donde se incita a trabajar para luego consumir… cualquiera podría pensar que se trata de una sociedad “moderna”, pero esto es parte del argumento del primer largometraje de George Lucas, THX-1138. Una de las grandes obras de la ciencia ficción para muchos, película fallida para otros. En cualquier caso, una obra pionera que se adelantaba a su tiempo y exploraba las consecuencias de la dominación y el control al más puro estilo orwelliano.
Como en 1984, Lucas retomó para su primer largometraje el corto que había realizado en su época de estudiante bajo el título de Electronic Labyrinth THX-1138:4EB (1967), basándose en una sociedad dominada, vigilada y sitiada hasta el punto de no permitir los sentimientos humanos.
Con ella conseguía transportar al espectador a un mundo totalitario gobernado por la figura jerárquica que todo lo ve. Una obra que marcó época y fue referente aún tomando prestado las ideas de muchas novelas del género como 1984, Nosotros o Un Mundo Feliz e incluso de otras tantas cintas anteriores como Fahrenheit 541 o The Machine Stops.
Asfixiante, claustrofóbica, fría, densa, distópica… casi todos los adjetivos que hacían crítica negativa son los mismos términos que utilizan aquellos que la adoramos. En mi opinión se trata de un filme que todo fan de la ciencia ficción debería ver algún día. Detrás de la sensación de vacío con la que se inicia el espectador, poco a poco va descubriendo que de esa forma tan “desesperante” aparece el humano que reconoce los sentimientos y que trata de luchar por ellos.
Un metáfora brutal de la vida en imágenes que nos habla sobre la búsqueda de la libertad y el amor a través de la desesperación del encierro. La película es difícil de ver, al igual que lo es para muchos la primera vez que se enfrentan a 2001. No es el Lucas de Star Wars, es quizá el Lucas joven que quería ser autor por encima de director.
THX-1138 se estrenó en 1971. Hace 40 años, cuatro décadas desde que un joven George Lucas comenzará su carrera con la obra más personal de cuantas hizo. La cinta se ha ido conformando con el tiempo como un clásico del género y obra de culto. Su paso y restauración en los formatos físicos actuales han mejorado la calidad de un mundo representado por la nada y el vacío del blanco. Ciencia ficción que escondía detrás una historia de amor entre dos humanos a los que nos se les permitía sentir…

Una visita al futuro donde el amor es el máximo crimen. THX 1138, LUH 3417, y SEN 5241 intentan escapar de una sociedad futurista localizada debajo de la superficie de la tierra, y donde se ha prohibido el sexo, usando drogas que controlan a la gente.

• El primer largometraje de Lucas iría unido para siempre al futuro del director. Tres ejemplos: en American Graffiti la matrícula de uno de los coches es THX 183, en Star Wars se hace referencia a la celda de la prisión 1138, por último, el certificado de sonido de cine de su compañía se llama THX.
• Según Lucas, el motivo por el que los personajes están rapados es para enfatizar la naturaleza deshumanizante del mundo creado. No sólo eso, muchos de los “actores” ya tenían la cabeza rapada y pertenecían a un programa de rehabilitacón de adictos.
• El personaje femenino protagonista de la película lo interpretó Maggie McOmie como LUH. Esa sería la primera y única actuación en el cine.

• Las escenas que tenían que ver con el sistema nervioso de THX y los espasmos son sacados de situaciones en la vida real de Lucas. El director tenía antipatía por los médicos tras un accidente de coche en su juventud.
• Este fue el corto que hizo Lucas en el que inspiró la película. Electronic Labyrinth THX 1138 4EB:

• Una de las novelas de las que parece probable que se inspiró la obra fue Nosotros de Yevgeni Zamiatin. En los escritos y al igual que en la película, los ciudadanos tienen la cabeza rapada, llevan uniformes y el nombre de cada uno se forma con letras seguidas de números. Además la ciudad también está aislada del exterior.
• Lucas en cambio afirmaría más tarde que las escenas de la prisión, con un blanco predominante, estaban basadas en 2001 de Kubrick.
• La película fue producida por Coppola a través de la recién estrenada productora Zoetrope.
• Fue un desastre financiero en taquilla aunque la crítica allanó el camino de Lucas, que pudo hacer posteriormente American Graffiti.
• Aquí un homenaje que le hicieron Pet Shop Boys a la obra de Lucas en el videoclip I Don’t Know What You Want But I Can’t Give It Anymore:

• Con el fin de impedir que el presupuesto se disparara, el equipo de producción aprovechó localizaciones reales en San Francisco.
• A la Warner no le gustó el resultado final de la película. Acabaron cortando parte de ella (de 95 minutos a 88) y redujeron el presupuesto en marketing.
• THX-1138 tuvo dos novelas de ficción tras su lanzamiento. El escritor Sujatha escribiría en dos partes En Iniya lyandhira.
• Muchos apuntan a que THX fue el preludio a la idea de Star Wars. De hecho, en un momento de la película podemos observar a un técnico trabajando con un robot dorado que recuerda claramente a C-3PO.
• Este es un pequeño clip donde vemos cómo se fue creando el score del corto pre-THX 1138:

• Dicen que los nombres de los personajes principales (THX, SEN y LUH) son homónimos deliberados de sexo, pecado y amor. Los tres factores que los diferencian de la sociedad.
• Nine Inch Nails también homenajeó a la cinta. En el álbum The Downward Spiral se usa en el primer tema un sample de THX-1138.
• En 1979 la banda TOTO lanzó su segundo disco. El famoso tema 99 fue un claro homenaje al film.
• La postproducción de la película se prolongó a lo largo de 1970 estrenándose finalmente en 1971.
• Existen carteles de la época donde se incluían escenas que finalmente no aparecieron.
• El lenguaje de programación que aparece en la impresora es FORTRAN.

• Johnny Weissmuller Jr., el hijo del mítico Tarzán, fue uno de los guardias robot.
• Para la secuencia final se utilizó un truco de perspectiva, no hay escalera, los actores se arrastran a través de una superficie horizontal.
• Casi al final de la película se hace una mención a los Wookiees.
• La película se rodó en 40 días con un presupuesto de 777.000 dólares. Nunca se estrenaría en las salas de cine en España.
• Según cuenta Lucas, el plan original consistía en rodar en Japón. Coppola no le daría tanto presupuesto por lo que el rodaje se centró en San Francisco y Los Ángeles.
• Parte de los diálogos de SEN se tomaron de los discursos de Richard Nixon.
• Para terminar este pequeño homenaje a este clásico de la ciencia ficción, dos vídeos. El primero se trata del trailer oficial de 1971. El segundo es un tributo a la obra con escenas del filme acompañadas del tema 99 de TOTO. Que lo disfuten.

Les recuerdo que para el siguiente Retrogeek pueden aportar sugerencias sobre sus películas favoritas. Lo podéis hacer a través de los comentarios o vía mi cuenta de Twitter @iblogblog.